Expoziţie internaţională de ceramică contemporană, a 3-a ediţie
8-30 Noiembrie 2012
Expoziţia internaţională Ceramics Now este o expoziţie itinerantă de ceramică contemporană ce prezintă lucrări ale artiştilor ce apar în platformele revistei Ceramics Now sau sunt invitaţi. Expoziţia are ca scop creşterea vizibilităţii artei ceramice contemporane în România, reuneşte artişti din ţări şi comunităţi diferite şi facilitează contactul dintre aceştia şi public.
În contextul globalizării lumii artelor şi a schimbului rapid de informaţie, devine din ce în ce mai necesară o coagulare serioasă a ceea ce este ceramica contemporană. Încorporarea a cât mai diverse subiecte, tehnici de lucru şi medii în crearea unui obiect ceramic sunt practici din ce în ce mai întâlnite, care în lipsa un contrabalans, riscă să ducă acest domeniu către craft. Armonia dintre elementele compozitionale şi concept poate fi realizată doar prin exerciţiu, iar acest exerciţiu este punct de referinţă al artiştilor contemporani. Atingerea echilibrului în realizarea unui obiect ceramic contemporan se poate face de cei care simt nevoia să creeze şi care creează cu profunzime. Fie că sunt originari din Australia, Africa, Europa, Asia sau America, practica, fineţea şi acurateţea sunt caracteristicile care îi unesc. Expoziţia Ceramics Now îi reuneşte pe aceşti artişti şi aduce laolaltă lucrările lor pentru a crea o platformă deschisă între ei şi public. A treia ediţie a expoziţiei internaţionale de ceramică contemporană va avea loc la Galeria Galateea, Bucureşti, în perioada 8-30 Noiembrie, şi va prezenta lucrările a 22 de artişti ceramişti contemporani.
Vezi albumul de fotografii de la expoziţie.
Download Comunicat de presă şi imagini / Evenimentul pe Facebook
Artişti expozanţi: Steve Belz (SUA), Gherghina Costea (România), Kimberly Cook (SUA), Ossama Mahmoud Emam (Egipt), Nato Eristavi (Georgia), Jason Hackett (SUA), Teresa and Helena Jané (Portugalia), Brian Kakas (SUA), Yoichiro Kamei (Japonia), Kentaro Kawabata (Japonia), Allison Luce (SUA), Nicolae Moldovan (România), Akio Niisato (Japonia), Heide Nonnenmacher (Germania), Szilvia Ortlieb (Austria), Barbara Schmid (Austria), Avital Sheffer (Australia), Suzanne Stumpf (SUA), Kouzo Takeuchi (Japonia), Shinya Tanoue (Japonia), Kwok-Pong Bobby Tso (China), Gavril Zmicală (România).
Curator: Vasi Hîrdo
Coordonator: Cristina Popescu Russu
Trei lecţii deschise sunt organizate în conexiune cu a treia ediţie a Ceramics Now Exhibition. Citeşte mai multe detalii.
Revista Ceramics Now este o publicaţie comprehensivă şi inovatoare, şi o platformă de artă online specializată in ceramica contemporană. Fiind prima de acest gen din România (fondată în anul 2011 şi editată în limba engleză), aceasta celebrează domeniul creativ al ceramicii prin interviuri, articole, critică şi prezentări cu ceramişti consacraţi, dar şi cu artişti emergenţi.
Asociaţia Ceramics Now este o asociaţie Non-profit care are ca scop principal creşterea vizibilităţii artei ceramice contemporane în România prin redactarea publicaţiilor Ceramics Now, organizarea de expoziţii, workshop-uri şi dezbateri.
Redeschisă prin iniţiativa Uniunii Artiştilor Plastici din România la finele anului 2011, Galeria Galateea este prima galerie de ceramică contemporană din România. Situată pe Calea Victoriei 132, este deschisă publicului de Luni până Vineri între orele 12-20 (Luni între orele 11-19).
A treia ediţie a Ceramics Now Exhibition este organizată de Asociaţia Ceramics Now în parteneriat cu Uniunea Artiştilor Plastici din România.
Expoziţie promovată de Ambasada Portugaliei în România
Parteneri media: Euronews, Radio România Cultural, Radio Guerrilla, DIGI24, ArtClue, Modernism, ArtAct Magazine, Observator Cultural, Senso TV, BeWhere, Metropotam, Vernisaje, STYLES, 24FUN, Şapte Seri, Zile şi Nopţi, Deco şi Eco, Neapărat, Slicker, Revista Căminul, Evenim, Alternativ, ArtLine, PORT, Agenţia de carte.
Contact: Vasi Hîrdo, Curator, vasi@ceramicsnow.org, Tel. 0748 311 663
ARTIŞTI EXPOZANŢI:
STEVE BELZ (S.U.A.)Steve Belz este în prezent tehnician în ceramică şi sculptură la Universitatea din Montana, Missoula, MT, finalizandu-şi de curând Studiile masterale în Arte Plastice la Universitatea de Stat Kansas, Manhattan, KS. În ultimii patru ani, Steve Belz a participat la peste treizeci de expoziţii naţionale şi internaţionale.
“Sculpturile mele exprimă frumuseţea naturii şi tensiunea creată de om prin manipularea mediului ce ne înconjoară. Eu folosesc frumuseţea formei pentru a creşte conexiunea emoţională a privitorului cu natura. Această conexiune cu natura poate creşte compasiunea unei persoane şi în cele din urmă compasiunea societăţii noastre pentru lumea naturală.
Istoric vorbind, am manipulat plante prin colectarea de seminţe, altoire, precum şi controlând polenizarea plantelor cu trăsături pe care noi le găsim favorabile. Aceste calităţi au fost treptat dezvoltate de-a lungul nenumăratelor generaţii. Ce diferă mai recent în ceea ce priveşte modificarea plantelor este vasta selecţie a trăsăturilor din organisme care ar fi inacesibilă fără ingineria genetică.
Folosesc elemente manufacturate în munca mea pentru a crea o tensiune menită să trezească conştiinţa în cadrul privitorului, să deschidă un dialog despre legătura societăţii contemporane cu natura. Această discuţie poate ridica gradul de conştientizare a pericolului pe care situaţia noastră actuală îl expune. O lipsă de responsabilitate şi administrare faţă de Pământ creează multe probleme pentru planetă, printre care degradarea sistemelor noastre de bază pentru susţinerea vieţii, aşa cum se reflectă în pierderea biodiversității, creşterea toxicităţii a sistemelor noastre alimentare, utilizarea ineficientă a resurselor naturale şi a schimbărilor climatice la nivel global. Sper că arta mea va încuraja privitorii să se educe şi să devină din ce în ce mai proactivi în asigurarea unui viitor durabil.”
— Steve Belz, Restrained, 2010, Gresie, Angobe, Glazuri, Ceară, Coarde din cauciuc, Sârmă, 20 x 17 x 10 cm.
KIMBERLY COOK (S.U.A.)
Kimberly Cook este în prezent instructor în ceramică la West Valley College, Saratoga, CA. Utilizează lutul ca şi mediu primar de exprimare de zece ani. A fost studentă a Universităţii Texas A & M, College Station, TX, unde a studiat Ştiinţe umaniste, iar în 2008 a terminat Studiile masterale în Arte Spaţiale la Universitatea de Stat San Jose. În ultimii patru ani, Kimberly a participat la peste treizeci de expoziţii naţionale şi internaţionale.
“Primitivele şi incomodele instincte animaliere zac inconştient în construcţia noastră genetică. Dominarea, supravieţuirea, reproducerea şi instinctul de grup ne hrănesc înclinaţia spre deviere în ego-urile noastre, cruzime, starea alfa, luptă sau zbor, exploatări sexuale, mentalităţi de grup. În lucrările mele creez imagini ce cuprind tensiunea şi anxietatea, dar care reflectă trăsături animalice, dar şi unele elemente care mă intrigă, de ritualistică şi control ale gândirii umane. Lutul ca şi principal material de lucru îmi permite să explorez aceste gânduri şi întrebări folosind tehnici ce originează în practicile ritualice umane. Cifre, zeităţi şi fetişuri erau modelate atât sub forma animală cât şi umană pentru practicile religioase sau magice cu mult înainte ca lutul să fie folosit pentru obiecte utilitare. Aceste imagini considerate puternice au supravieţuit timp de secole, permiţându-le oamenilor să acceseze manifestări ale forţelor supranaturale crezute să îmbunătăţească lupta din viaţa lor de zi cu zi.
Personal şi intuitiv condusă, munca mea cu imagistica animală se bazează pe explorarea condiţiei umane universale, concentrându-se pe aspectele legate de ceremonial; servind ca întruchipare fizică, spirituală şi psihologică a fiinţei. Preocuparea mea pentru existenţa umană, alienare, frică şi apatie este ceea ce mă motivează să mă exprim prin elemente de autobiografie, ritual şi semnificaţie a luptei existenţiale. Lucrând intre naraţiune şi abstract şi dezvăluind atât percepţia despre putere cât şi despre neputinţă, cifrele şi simbolurile pe care le creez sunt adesea intenţionat reprezentate desfigurate şi disfuncţionale.”
— Kimberly Cook, Last straw, That’s all, That’s it…, 2011, Porţelan, 30 x 15 x 10 cm. fiecare.
GHERGHINA COSTEA (România)
Gherghina Costea s-a născut în anul 1955 şi a absolvit Ceramica la Universitatea Naţională de Arte Bucureşti (“Nicolae Grigorescu”), în 1978. Este membru al Uniunii Artiştilor Plastici din 1990 şi membru al Academiei Internaţionale de Ceramică, Geneva, din 2010.
“Întotdeauna m-a atras limbajul a tot ce există in natură. Încă din copilărie, ducând o viaţă legată de natură, am rămas cu o percepţie organică a spaţiului şi timpului. Simt cum sufletul meu vibrează coarda aceloraşi legi ca şi cele ale naturii.
În plante am văzut cum se revarsă chipul inţelepciunii pământului. Regenerarea – acest process biologic care se referă la capacitatea unei porţiuni a unei plante şi la puterea acesteia de a se reface în întregime. Planta-sursă este un exemplu viu pentru noi oamenii să iubim adevărul lăuntric, să avem puterea regenerării spirituale. Natura este izvorul, fermentul şi plămada.”
— Gherghina Costea, Regeneration, 2012, Gresie colorată în masă, Porţelan dur neglazurat, 90 x 53 x 32 cm.
OSSAMA MAHMOUD EMAM (Egipt)
Ossama Mahmoud Emam trăieşte şi lucrează în Cairo, Egypt, În 1998 a absolvit Ceramica la Universitatea Helwan Cairo, iar de atunci a participat la peste treizeci de expoziţii internaţionale şi naţionale. A fost premiat pentru cariera sa cu Premiul Statului Egiptean pentru Creativitate în Ceramică (Academia Egipteană de Arte, Roma 2004). Lucrările lui sunt expuse în muzee în ţări precum Egypt, Grecia, Italia, Turcia, Spania, China sau Coreea de Sud.
“Caracterul arhitectural este un element ce apare în majoritatea creaţiilor mele ceramice. Lucrările mele reprezintă un dialog între construcţii geometrice (cutii, cercuri, bile) şi expresie spontană, în acelaşi timp căutând o nouă viziune în conceptul formei obiectului ceramic şi al relaţiei acestuia cu goliciunea exterioară.
Tratamentul suprafeţei nu se bazează doar pe o anumită tehnică, ci este ales pentru a completă stilul formei şi pentru a echilibra conexiunea cu entitatea arhitecturală a formei. Există o spontaneitate în atingerea creatorului ce potriveşte culoarea cu forma obiectului.”
— Ossama Mahmoud Emam, Lusters, 2012, Gresie, Glazuri (cupru, cobalt, nitrat de argint), 27 cm. fiecare.
NATO ERISTAVI (Georgia)
Nato Eristavi a absolvit Ceramica la Academia de Arte din Tbilisi, Georgia, în 1994. Şi-a expus lucrările în numeroase expoziţii naţionale şi internaţionale, iar acum câţiva ani a înfiinţat prima Fundaţie pentru ceramică din Georgia, intitulată The Clay Office. Este, de asemenea, managerul celui mai mare centru de entertainment pentru copii din Georgia (Bao-Babi), şi profesoară la Academia de Arte din Tbilisi.
“Acum câţiva ani am început o Fundaţie pentru ceramică intitulată The Clay Office. Am fost foarte norocoasă să am prieteni atât de buni. Clay Office aduce laolaltă mai mulţi ceramişti Georgieni. Cinci dintre noi suntem fondatorii organizaţiei. Am lucrat cot la cot împreună cu colegii mei, iar Academia de Arte din Tbilisi ne-a alocat spaţiul. Am primit o bursă pentru a echipa spaţiul de lucru cu uneltele profesionale necesare, aşa am creat o atmosferă favorabilă pentru lucru.
Am moştenit acest optimism inepuizabil de la părinţii mei, şi este o calitate care funcţionează spre beneficiul meu. Controlul de sine este necesar. Depresia universală a consumat lumea iar acum este foarte uşor să te îneci în această mlaştină. E probabil timpul pentru noi toţi să ne facem viaţa mai uşoară şi să le oferim sprijin celor din jurul nostru. Ar trebui să radiem fericire de la lucruri simple şi să fim mulţumiţi cu ceea ce ni s-a oferit. Ar trebui să ne oferim căldură unui celuilalt şi să fim fericiţi cu ceea ce relaţiile noastre ne-au adus. Aceasta e cea mai mare valoare care poate fi avută.” (EGO Mag – Numărul 1, Natuka Natsvlishvili, Tbilisi, 2012)
— Nato Eristavi, Collapse Art Series, 2012, Teracotă, Angobe, Oxizi, Glazuri, 30 x 25 x 30 cm. fiecare.
JASON HACKETT (S.U.A.)
Jason Hackett şi-a încheiat Studiile masterale la Universitatea Virginia Commonwealth, Richmond, VA, şi este licenţiat în Stiinţe. Lucrarile sale au fost expuse în peste treizeci de expoziţii naţionale, iar în prezent lucrează ca technician al Departamentului de ceramică, la Universitatea Virginia Commonwealth.
“Eu înţeleg lumea într-o manieră evocativă, şi văd lucrările mele ca fiind memoriale atât fizice cât şi filosofice ale “Apropierii”. În timpul procesului de creaţie al unei noi serii de lucrări iau de obicei în considerare idei precum valorile comunităţii şi ale familiei, onestitatea muncii laborioase şi de forţă, dar şi misterul metafizicului.
În principal, construiesc piese prin ridicare şi prin metode de turnare, folosind de asemenea şi obiecte de ceramică găsite. Materiale, imagini, forme capturate – făcute de om sau de maşinării; din trecutul apropiat sau depărtat – toate sunt sublimate într-un context în care utilitatea lor devine contemplaţia. Luate individual, ele sunt căni, plachete şi icoane culturale făcute din lut. Împreună, sunt simboluri şi metafore ce exprimă în mod simultan apropierea şi distanţa, materialul şi imaterialul, tangibilul şi intangibilul.“
— Jason Hackett, Old Whimsy, 2012, Porţelan lucrat manual, Obiecte găsite, 25 x 23 x 15 cm.
TERESA & HELENA JANÉ (Portugalia)
Teresa & Helena Jané Teresa & Helena Jané sunt două artiste portugheze ce crează obiecte de ceramică de autor sub numele de THJané. Cel mai recent proiect al lor vine ca o reacţie la abuzul de putere politică, dar nu ar trebui luat ca un statement anti-sistem. Intutulat “FOD… reborn” după zicala portugheză “Vão-se os anéis, Ficam Os Dedos.” (“Poate am pierdut inelul, dar încă mai am degetele.”), lucrarea vorbeşte despre dificultăţile cu care se confruntă societăţile moderne.
“Tatăl nostru a fost arhitect, iar mama a fost profesor de artă. Au investit foarte mult în educaţia noastră pentru a descoperii şi explora sensibilităţi artistice unive, iar noi ne-am simţit intotdeuna resposabile să le oferim răspunsul bine meritat. Am studiat pian pentru mai mulţi ani şi am obişnuit să mergem săptămânal la concerte de muzică clasică. Am avut, de asemenea, oportunitatea de a învăţa şi de a practica sculptura în lemn, ceramica, meşteşugul construirii în nuiele, torsul, legătoria de carte, pictura şi gravura, şi multe alte deprinderi utile.
Ani mai târziu, am înfiinţat THJané iar, până azi, încă trăim cu sentimentul reuşitei ce vine prin crearea de lucruri frumoase cu propriile noastre mâini.” (Ceramics Now Magazine – Numărul 2, Vasi Hîrdo, Cluj-Napoca, 2012)
— Teresa & Helena Jané, FOD… Reborn, 2012, Gresie neagră lucrată manual, Glazuri, Dimensiuni variabile.
BRIAN KAKAS (S.U.A.)
Brian Kakas este Profesor Asistent de Ceramică la Universitatea din Northern Michigan, Marquette, MI. În 2007 şi-a finalizat Studiile masterale în Ceramică la Universitatea Nôtre Dame, South Bend, IN. În timpul studiilor, s-a axat pe îmbunătăţirea tehnicilor de creaţie a matriţelor la dimensiuni mari prin sprijinul a mai multor burse de cercetare. Brian a predat şi susţinut workshop-uri în toată lumea, şi a fost Artist în rezidenţă la centre din SUA, Australia, China, Coreea de Sud şi Indonezia.
“Moduri potrivite de adaptare creativă la schimbările continue au fost exprimate prin practici artistice, arhitectură, ştiinţă şi tehnologie. În noua mea serie de lucrări, intitulată “Percepţii tectonice”, intenţiile încorporează metodologii iar teoriile crează o “noua natură” în design-ul structural al obiectelor ceramice. Piesele vor să celebreze versatilitatea lutului cu dorinţa de a încuraja noi relaţii ale spaţiului arhitectural. Călătoriile în Asia alături de experienţa culturală bogată din incursiunile în China, m-au ajutat să conştientizez mai bine noi relaţii ce intră în spectrul minţii artistului, a percepţiei identităţii culturale, istoriei şi spaţiului. Aceste relaţii au dat voie artistului să exploreze legături între elementele puternice ale tradiţiei şi identităţi moderne ce evoluează rapid în jurul lumii. Explorările acestor inter-legături şi intenţiile creatorului şi ale materialului au dus la dezvoltarea noului design structural ceramic. Formele ceramice sculpturale derivă din hibridizări care au fost dezvoltate prin investigaţiile secolului 20 în estetica design-ului structural, în arhitectură şi în teoriile matematice ce explorează creşterea, schemele şi dimensiunile.
Prin procesul aspiraţional al invenţiei, artistul este cel care are intenţia de a găsi o formă naturală păstrându-şi fermitatea în privinţa materialelor folosite şi ale lor proprietăţi moştenite. Artistul este în goană descoperirii şi a consacrării unui vocabular formal care dă voie vaselor sculpturale să expună calităţi unice ce le găsim în obiectele culturilor tradiţionale, prin ceea ce numim industrializare şi crearea în masă de obiecte pentru a hrăni societatea noastră contemporană. Sinergism, formaţiuni de scheme şi structuri ce le găsim la plante, animale şi insecte, au influenţe puternice asupra creări formelor.“
“În zilele noastre, cantitatea de schimbare din societate la care un individ trebuie să continue să se reajusteze psihic este atât de mare, iar pasul acestei schimbări este atât de rapid încât cerinţa apasă pe capacitatea omului de a se adapta.” (Arnold Toynbee)
— Brian Kakas, Architectonics: Hull Improv, 2012, Gresie albă, Cone 04, Construcţie din plăci, 90 x 25 x 35 cm.
YOICHIRO KAMEI (Japonia)
Yoichiro Kamei s-a născut în 1974 în Prefectura Kagawa, Japonia, şi a absolvit Studiile Doctorale în ceramică la Universitatea de Artă Kyoto City, în 2006. Lucrările lui sunt expuse în colecţii publice la mai multe muzee şi instituţii precum Banca Kyoto, Muzeul de Ceramică Yingge Taipei, Muzeul Internaţional de Ceramică Faenza sau Centrul Mondial al Ceramicii Icheon, Coreea de Sud.
“Seria Lattice Receptacle este o lucrare de artă ce consistă în reprezentarea structurilor liniare de porţelan ca formă fundamentală. Crearea lor se face prin dezvoltarea de unităţi bază (cuburi goale) care sunt formate static utilizând tehnici de lipire cu barbotină.
În evoluţia mea în crearea obiectelor ceramice, forma şi spaţiul intern sunt cele mai importante teme. Din metoda de producere a unităţilor de bază derivă estetici geometrice şi formative care în acelaşi timp accentuează capacitatea spaţiului în densitate. Spaţiul intern care este deschis de structurile cuburi devine un accesoriu pentru a primi lumină, iar împreună cu permeabilitatea porţelanului pune în valoare aspectul luminilor şi al umbrelor.
Fiecare spaţiu gol joacă un rol în aceste structuri, care îşi pot găsi sensul existenţei doar dacă sunt umplute într-un fel sau în altul. Este acelaşi principiu care stă la baza spaţiului gol “pe o farfurie” sau “în spaţiu.” Eu cred că o dezvoltare mai clară a reprezentărilor din arta ceramicii contemporane are potenţial de a satisface simţurile deschise ale oamenilor, şi ne invită la experienţe infinite.“
— Yoichiro Kamei, Lattice receptacle – A4, 2012, Porţelan, Barbotină, 18 x 18 x 18 cm.
KENTARO KAWABATA (Japonia)
Kentaro Kawabata este un artist japonez născut în 1976. A absolvit Ceramica la Tokyo Design Institute în 1998, iar de atunci şi-a expus lucrările în Japonia, SUA şi Coreea de Sud. Kentaro este fascinat de armonia diferitelor tipuri de transparenţe dintre sticlă şi porţelan alb.
“Majoritatea pieselor mele sunt construite din porcelan, utilizând tehnica construirii cu columbini. Prefer să folosesc tehnici de construcţie manuale în loc de ridicatul la roată deoarece e mai uşor pentru mine să stau concentrat şi devotat sentimentelor pe care le am în acel moment. De asemenea, această tehnică îmi dă voie să adaug în timp ce lucrez diferite materiale pe suprafaţa lutului, precum bucăţi de sticlă, piatră, metal sau nisip. Sunt fascinat de rezultatele acestei fuziuni de materiale după ce obiectul este ars.
SOOS este numele ultimelei mele serii de lucrări. Aceste piese sunt construite din porţelanul adunat de la proiectele anterioare sau de la piese nefinalizate. Când m-am uitat la câmpul verde ca iarba prin geamul de la studio-ul meu, am realizat cât de viguroase sunt plantele. Indiferent cât de des sunt tăiate şi manipulate, acestea cresc din nou, înfloresc, iar plantele care mor devin fertilizator pentru cele din sezonul următor. Am fost impresionat de puterea lor şi de ciclul lor de viaţă stabil, lucru care m-a inspirat să folosesc materiale reciclabile în lucrările mele. Tot din această cauză am început să colorez unele lucrări cu pigment verde.
Pentru mine, aşa cum un câmp de plante care moare trimite un S.O.S., lutul abandonat în studio a trimis şi el deoarece avea nevoie de atenţie. Am descoperit că toate lucrările mele anterioare şi resturile rămase de la ele sunt sursa energiei pentru lucrările ce le voi face în viitor. De aceea am intitulat această serie SOOS, deoarece în Japoneză sună foarte similar cu “SOURCE”, când este pronunţat.
Piesa CAO-COL aparţine de seria SOURCE şi reprezintă o faţă ce îşi arată diferite aspecte atunci când o priveşti din diferite unghiuri în anumite momente ale zilei. Oamenii au uneori sentimente pe care nu pot sau nu vor să le exprime facial; dar adevărul este intotdeuna ascuns în interior. Sper că oamenii vor putea să îşi imagineze privind suprafaţa pieselor mele, ce se asculde dincolo de privire.“
— Kentaro Kawabata, SOOS: Cao-Col, 2012, Porţelan, Argint, 25 x 18 x 40 cm.
TAKEUCHI KOUZO (Japonia)
Takeuchi Kouzo s-a născut în Japonia anului 1977, şi a absolvit Ceramica la Universitatea de Arte din Osaka în 2001. În ultimii zece ani, Takeuchi şi-a expus lucrările în peste patruzeci de expoziţii naţionale şi internaţionale în Japonia, SUA, Franţa şi Germania.
“Nu ştiu de ce, însă sunt atras de formele pătrăţoase. Deşi aglomeraţiile de clădiri şi blocurile de jucărie au fost mai demult lucrurile mele favorite, acum sunt fascinat de ruinele clădirilor abandonate. Deoarece aceste structuri deteriorate care mai demult au fost impozante mă atrag atât de mult, am avut un sentiment cum că aş putea să înglobez acest concept în lucrări de ceramică. Am vrut să exprim emoţia pe care o trăiesc când mă uit la ruine a€” sentimente difuze despre evoluţia omului şi trecerea timpului.
Am încercat foarte multe lucruri pentru a exprima puterea creaţiei omului şi nostalgia trecutului distant în lucrările mele. Ca rezultat, am decis ca după ardere să sparg cu un ciocan piesele ce erau construite din multe tuburi pătrat lungi. Făcând acest lucru am început să realizez că lucrările mele nu reprezintă doar trecutul, ci şi prezic viitorul. Din acest motiv le-am denumit Ruine Moderne (Modern Remains).”
— Takeuchi Kouzo, Modern Remains Y-II-11, 2011, Porţelan glazurat, Barbotină, 42 x 40 x 40 cm.
ALLISON LUCE (S.U.A.)
Allison Luce explorează natura efemeră a existenţei şi misterul eternităţii prin sculpturile ei ceramice. Luce este licenţiată în Pictură şi Istoria Artei la Ohio University, Athens, OH, dar deţine şi un Master în Artă, dobândit la Hunter College, City University of New York, NY. Momentan locuieşte şi lucrează în Charlotte, Carolina de Nord, unde are un studio şi este instructor adjunct de artă. Pe parcursul a trei ani, Luce a fost Artist în rezidenţă la International Ceramic Research Center, Skaelskor (Danemarca), Zentrum für Keramik Berlin (Germania) şi Baltimore Clayworks, MD, Statele Unite.
“Conceptual, aceste lucrări sunt bazate pe noţiunea de corp uman ca scut protector pentru suflet. Lucrez în principal în ceramică, conectând lucrările mele făcute într-un context post-modern cu istoria bogată şi antică a lutului. Luându-mi inspiraţia din natură cât şi din alte surse istorice, încerc să îmi rectific prezenţa cu o istorie vizuală a trecutului. Sunt foarte interesată de iconografie şi de conceptul unui simbol sau obiect ce ascunde un înţeles mai mare decât el. Începând cu conceptul de lut ca o metaforă pentru corpul uman, aceste piese sunt construite manual şi sunt simbolice sufletului. Suprafaţa lor exterioară face referire la natura delicată şi efemeră a vieţii.
Lucrarea “The Serpent Tree” explorează preocupări ale fragilităţii şi feminităţii, şi a relaţiei cu conceptul eternităţii. Ideea pentru această lucrare se trage din povestea Grădinii Edenului şi explorează chestiuni ce au legătură cu fragilitatea corpului şi cu failibilitatea omului. Făcând referire la natură cât şi la corp, aceste sculpturi vorbesc despre creştere, tentaţie şi despre trecerea de la inocenţă la experienţă.“
— Allison Luce, Enduring, 2011, Gresie, Oxizi, Mixed media, Cone 04, 35.5 x 34 x 9 cm.
NICOLAE MOLDOVAN (România)
Nicolae Moldovan a absolvit Ceramica la Universitatea Naţională de Arte Bucureşti în 1998, fiind unul din elevii profesorilor Alexie Lazăr Florian şi Doru Marian. În ultimii douăzeci de ani, Moldovan şi-a expus lucrările în expoziţii naţionale şi internaţionale în Germania, Coreea de Sud şi Bulgaria.
“Lucrările mele trăiesc în primul rând prin forma curată, esenţializată, şi prin forţă dată de aceasta. Din când în când, “forma mamă” interactionează cu elemente de o altă consistenţă şi materialitate, acestea intrând în conflict, agresând-o.“
Interesat de ultima cultură preistorică cu ceramică pictată din Europa, Nicolae Moldovan a studiat şi s-a decis să creeze vase, dar şi forme antropomorfe, respectând tehnica neolitică, a modelării manuale, a coloranţilor minerali naturali. Decorul geometric, abstract aminteşte, de asemenea, ceramica neolitică, inclusiv în alegerea culorilor.
Formele nu numai minimale, dar şi arhetipale ale lui Nicolae Moldovan se dovedesc receptacole ale unui univers metaforic, în care puritatea şi cruzimea, zâmbetul şi cinismul par să se completeze, să-şi fie complementare.
Lumea propusă de Nicolae Moldovan este una a permanenţelor, îmbrăcate în haina fragilă a ceramicii. (Cotidianul, “From Cucuteni Culture to minimalism”, Victoria Anghelescu, Bucharest 2012)
— Nicolae Moldovan, Personage, 2012, Gresie modelată din aproape în aproape, Angobe, Metal, 70 x 61 x 35 cm.
AKIO NIISATO (Japonia)
Akio Niisato este un artist japonez născut în 1977 care a absolvit Ceramica la Tajimi City Ceramic and Design Center, în 2001. A fost premiat pentru cariera sa cu Premiul Competiţiei Internaţionale de Ceramică Contemporană Faenza (54) în 2005, iar mai recent a fost Artist în Rezidenţă la Harvard Ceramic Program, Boston, MA, Statele Unite.
“Tema principală la care lucrez acum este reprezentată de seria Vase Luminescente (Luminescent Vessels). Această serie îşi doreşte să meargă dincolo de limitaţiile practice ale vaselor şi explorează formele ca obiecte de frumuseţe şi de expresie a ideilor.
Foarte devreme în cariera mea am fost influenţat de vasele din celadon ale Dinastiei Song, China, dar şi de ceramistii japonezi contemporani ai anilor 1980 şi 1990. Ceramica Dinastiei Song aspiră la puritatea şi perfecţiunea formei, însă au fost în general apreciate ca simbol al unui statut, şi prea puţin ca obiecte funcţionale. Ceramica japoneză a anilor 80 şi 90 a părut a exprima frumuseţe dar şi alte concepte estetice cu foarte puţin interes în funcţionalitate. Unificând aceste două abordări ale formei, simt că pot să valorific posibilităţile expresive ale ceramicii.
Lucrările mele reprezintă o încercare de a elibera ceramica de blestemul funcţionalităţii. Făcând găuri în vase care corespund cu conceptul meu pentru forma perfectă, le eliberez de rolul lor funcţional. Când aceste găuri sunt umplute cu glazură, lucrarea îşi reia din nou rolul şi forma specifică unui vas. Lumina ce pătrunde prin glazură crează luminescenţa, după care am intitulat aceast serie.
Seria poate apărea focusată doar pe frumuseţea pură, însă această simplitate este compensată şi complicată de găurile ce pătrund în formă vasului. Acest lucru duce la o conştientizare mai bună a formei, şi implicit la aprecierea formei vasului în sine, care altfel ar fi fost trecută cu vederea din cauza familiarităţii ei de zi cu zi.”
— Akio Niisato, Luminescent Vessels, 2012, Porţelan glazurat, Arderi multiple, 21.5 x 22.5 şi 19.5 x 11 cm.
HEIDE NONNENMACHER (Germania)
Heide Nonnenmacher este o ceramistă din Germania născută la Stuttgart, în 1951. Nonnenmacher şi-a expus lucrările în peste patruzeci de expoziţii în ultimul deceniu, iar din anul 2005 este membru al International Contemporary Ceramic Art Vienna. Studioul ei, amplasat în oraşul istoric Nattheim, a sărbătorit recent 30 de ani de activitate.
Atunci când am o idee, trebuie să mă infiltrez în rădăcinile ei până când este rezolvată într-un mod satisfăcător. În acelaşi timp am nevoie să văd schimbările pentru a fi fascinată de ele” spune Heide. Munca ei este propulsată de o pozitivitate neobositoate, de curiozitate, deschidere la tot ceea ce este în natură, spontaneitate şi expresivitate. Având numeroase expoziţii naţionale şi internaţionale la activ, alături de multe simpozioane şi workshop-uri susţinute în Japonia, Austria, Rusia, Franţa, Turcia sau China, Heide Nonnenmacher utilizează ca material de lucru porţelanul: “Porţelanul aduce laolaltă atât lumina cât şi calitatiile native ale pământului.”
În cea mai recentă lucrare a ei, natura este modelată alături de numeroase forme organice pentru a reda cuiburi de insecte. Heide a format sute de cilindrii foarte subţiri, similari cu florile Calyx, şi le-a pus laolaltă. Rezultatul, intitulat Orto botanico, a fost expus în August la Ceramica Multiplex 2012, în Varazdin, Croaţia.
— Heide Nonnenmacher, Orto botanico, 2011, Porţelan paperclay, 20 x 12 x 12 şi 10 x 8 x 8 cm.
SZILVIA ORTLIEB (Austria)
Szilvia Ortlieb s-a născut în Ungaria iar din anul 1990 locuieşte şi lucrează în Austria. Ortlieb s-a întâlnit prima data cu ceramică în Kecskemét, unde îşi are sediul un studio internaţional de ceramică. În ultimii zece ani şi-a expus lucrările în numeroase expoziţii internaţionale.
Interesul Szilviei Ortlieb în a colecta este evidenţiat de lucrările ei din cauciuc, de sculpturile făcute din becuri tubulare albe, cabluri de telecomunicaţii, legători de cabluri şi cântare de baie. Ea caută aceste obiecte, care sunt de cele mai multe ori gunoaie industriale, precum funii şi LED-uri folosite în sculptura ei “in.halt”, 2008, sau foloseşte obiecte găsite într-un anumit magazin (găsit în sensul că, de exemplu, în “Waagrecht für senkrecht – Horizontal for Vertical”, 2012 o instalaţie de cântare de baie digitale, acestea au fost găsite printr-o reclamă apărută în ziar).
Szilvia Ortlieb manifestă o puternică curiozitate despre lumea din jurul ei. Privirea ei este intotdeuna de veghe pentru a privi în afară, până la punctul în care îşi încorporează în lucrările ei materiale care nu sunt percepute valoroase de către societate. Este, de asemenea, cercetător în abordarea temelor şi materialelor. A împinge orice idei are în minte şi orice elemente are în mâini până la limite este un lucru fundamental pentru ea. Din acest motiv Szilvia lucrează în serii, deseori intitulându-şi lucrările din serie cu acelaşi nume, şi explorând fiecare aspect al seriei până când simte că şi-a epuizat toate posibilităţile; atunci poate să meargă mai departe.“ (Dr. Renée Gadsden, 2012)
— Szilvia Ortlieb, Tire 28×15/8 x 11/4, 2011, Teracotă, Valvă, Cutie de carton, 20 x 20 x 6 cm.
BARBARA SCHMID (Austria)
Barbara Schmid este o artistă din Austria care a absolvit Ceramica la Universitatea din Graz, în 1988 (Licenţă) şi 2007 (Master). A fost premiată pentru cariera sa cu Premiul Oraşului Varazdin, Croaţia, în 2009, iar de atunci şi-a expus lucrările în expoziţii naţionale şi internaţionale.
Barbara Schmid îşi transpune lucrările în conexiune cu esteticile contemporane experimentale. Obiectele ei ceramice relevă forme sferice şi fluide. Printr-un proces lung de intermisii, componentele fluise se combină armonios cu structurile metalice anterioare. Procesul de ardere inversează această procedură, structura de rezistenţă devenind fluidă iar fluidul devenind solid. Mişcarea în fluid şi solid este capturată în formă ca un moment definitoriu.
“Această lucrare consistă în obiecte din ceramică atârnate, care dau impresia de gesturi îngheţate. Pentru producerea obiectelor cât şi pentru comunicarea cu lucrarea, avem nevoie de mâini. Un obiect construit manual ar trebui să fie înţeles şi apreciat la adevărata lui valoare.”
— Barbara Schmid, Fragile, 2010, Paperclay, Sârmă, D 35 cm.
AVITAL SHEFFER (Australia)
Avital Sheffer este o ceramistă ce trăieşte pe coasta de nord a Australiei, în New South Wales. Creaţiile ei au forma unor mari vase de ceramică, care degajă forţă şi rafinament în detaliu. Originară din Israel, Avital aduce de aici influenţa mozaicului de culturi al Orientului Mijlociu, istoria si design-ul specific acelor locuri – dileme complexe pe care le exploră prin lucrările sale. Încă din 2004, Avital a participat la numeroase expoziţii în Australia şi Statele Unite. A fost finalistă în multe concursuri şi a câştigat distincţii importante, precum Premiul Josephine Ulrich pentru Excelenţă, în cadrul Ceramic Award 2005, şi Premiul Border Art, în 2008. Este membru al Academiei Internaţionale de Ceramică.
“Sunt intrigată de relaţia noastră intimă cu obiectele create manual. Întruchiparea utilitarului, a divinităţii şi a frumuseţii în formă de vas ceramic sunt practici la fel de vechi precum însăşi conştiinţa umană. Procesul realizării unui vas de ceramică este animat de idea de conţinut şi de fecunditate, intrinsecă fiinţei umane şi lumii naturale. De-a lungul istoriei, aceste noţiuni găsesc rezonanţă în mitologie, limbă, şi în obiectele făcute de mână.
Lutul – prin maleabilitatea sa şi prin transformările la care se supune, prin fragilitate şi rezistenţă, este în acelaşi timp un mijloc fundamental de expresie şi un jurnal al experienţelor trăite şi al culturii. Natura sa misterioasă şi senzuală, precum şi faptul că este împământat la propriu sugerează o metaforă a vieţii umane.”
— Avital Sheffer, Seed I, 2011, Gresie lucrată manual, Glazură, Print, 65 x 45 x 27 cm.
TANOUE SHINYA (Japonia)
Tanoue Shinya este un artist japonez care locuieste si lucreaza in Kyoto, Japonia. In 2003 a absolvit Artele la Kyoto Saga University of Arts, iar de atunci si-a expus lucrarile in peste patruzeci de expozitii nationale si internationale. In 2005 a primit Premiul Special al Juriului MINO International Ceramics Exhibition.
“Cochiliile sunt o parte integrantă din viaţa mea. Gândul că din ele iese o nouă viaţă la lumină mă emoţionează. Îmi aduce aminte de începuturile vieţii pe Pământ – un subiect ce continuă să mă fascineze. Dacă cei ce îmi privesc lucrările simt măcar o parte din acest lucru, atunci sunt foarte fericit.
La fel cum o scoică se face prin divizarea celulelor de-a lungul timpului, activitatea mea este, de asemenea, dezvoltată printr-un proces complex de-a lungul timpului. Piesele mele ceramice sunt construite manual. După aplicarea barbotinei albe înainte de ardere, modelul de pe suprafaţă este răzuit cu un ac. După prima ardere, suprafeţele sunt şlefuite şi bucăţi mici de fier sunt încrustate în canelurile zgâriate. Apoi glazura transparentă este aplicată şi piesele sunt arse a doua oară. În cele din urmă, o glazură de cupru este parţial aplicată, iar piesele sunt arse a treia oară. În timpul acestui acestui proces complicat anticipez că se va naşte ceva nou.”
— Tanoue Shinya, KARA’11 – FU-f (Shell’11 – Eclosion-f), 2011, Gresie lucrată manual, Sgraffito, 31 x 39 x 25 cm.
SUZANNE STUMPF (S.U.A.)
Suzanne Stumpf a primit recunoastere naţională şi internaţională atât pentru sculptura ei cât şi pentru creaţiile ei funcţionale. Lucrările ei sunt incluse în albumele Lark Books din 2009, “500 Ceramic Sculptures: Contemporary Practice, Singular Works” şi în cartea “500 Raku: Bold Explorations of a Dynamic Ceramics Technique” din 2011. În 2008 i-a fost acordată o bursă artistică din partea Consiliului de Arte Somerville, MA.
“Arta ar trebui să îndepărteze privitorul de izolarea cauzată de abundenţa tehnologiei personale apărută în timpurile noastre. În evoluţia muncii mele, întrebările care m-au ghidat (câteodată, într-un mod subconştient) au fost “Ce poate inspira conectivitate?” şi “Ce ne atrage, în cel mai puternic mod, atenţia?” Aşadar o mare parte din munca mea este meditativă pentru public, fie pentru întrebările pe care le pune în discuţie, fie pentru interacţiunea sau explorarea la care te invită.
Lucrările mele au devenit din ce în ce mai sculpturale, cu un accent pe sculpturi interactive realizate din mai multe componente. Majoritatea lucrărilor de acest tip se pot rearanja în nenumărate feluri pentru a le privi. Probabil, parţial influenţate de trecutul meu ca şi muzician profesionist, aceste sculpturi flexibile permit crearea unor variaţii în opera de artă aşa cum pot fi trăite în desfăşurarea live a unei compoziţii muzicale de la concert la concert. Unele dintre lucrări par a fi “jocuri”, dar, în general, nu există reguli pentru aranjarea componentelor.
Lucrez în principal cu porţelan, deoarece acest material primeşte şi juxtapune texturi într-un mod atât de articulat. Glazurile sunt angajate minimin în proces; unele lucrări sunt realizate doar cu ajutorul barbotinei, a angobelor şi oxizilor. În construire alternez tehnicile pur manuale cu ridicatul la roata.“
— Suzanne Stumpf, Interactive Sculpture No. 8, 2009, Porţelan, Ardere reducătoare cone 10, 20 x 20 x 5 cm.
KWOK-PONG BOBBY TSO (China)
Kwok-Pong Bobby Tso este un artist chinez originar din Hong Kong care locuieşte şi lucrează în Iowa, S.U.A. În prezent studiază pentru un Master în Arte Plastice (Practicile Dimensionale în Ceramică) la Universitatea din Iowa, Iowa City. În ultimi zece ani a participat la numeroase expoziţii internaţionale, rezidente, conferinţe, şi i-au fost acordate burse integrale. A primit Premiu Roger Lang pentru Excelenţă în Studiu, în cadrul NCECA 2011.
“Conceptul ultimelor mele lucrări este forma şi a luat naştere din curiozitatea mea privind relaţiile dintre un obiect şi altul. În munca mea doresc să explorez voioasa, interesanta şi misterioasa relaţie a unui obiect care se potriveşte neaşteptat într-un altul, în acest fel devinind împreună o nouă compoziţie cu componente simple dar cu o configuraţie complexă.
Intenţia mea este ca prin lucrări să declanşez privitorului dorinţa de a privi îndeaproape şi a redescoperi obişnuita, dar nefamiliara relaţie dintre obiecte dar şi dintre fiinţele umane. Prin senzaţie, comunicare, investigaţie şi explorare, atât obiectele cât şi oamenii sunt capabili să-şi însuşească spaţiul dar şi atenţia. Sper ca munca mea să alimenteze această percepţie asupra relaţiilor, dar şi mai important, să îmbogăţească această relaţie şi să stabilească un sens al spaţiului, să redea ideea că suntem toţi parte din ceva, ceva mai mare.”
— Kwok-Pong Bobby Tso, Industrial landscape: The View From Above I, 2011, Teracotă, Plastic, Metal, Lemn, 45.7 x 38 x 20 cm.
GAVRIL ZMICALĂ (România)
Gavril Zmicală a absolvit Ceramica la Instititul de Arte Frumoase Ion Andreescu, Cluj-Napoca, iar în ultimii ani şi-a expus lucrările în numeroase expoziţii naţionale şi internaţionale în Japonia, Austria şi Olanda. În 2012 a început Studiile masterale în domeniul Biotehnologiilor Aplicate.
“Între epiderma lutului şi inteligenţa formei există, în câmpul artei, un interval tainic, o zonă primejdioasă pe care o traversez adeseori cu lucrările mele, fiecare din ele marcând de fapt punctele nodale, de criză, ale acestei traversări. Ele articulează în formă întrebările esenţiale cu care mă confrunt: Ce se întâmplă la graniţa dintre fiinţă şi lume? Dintre miezul sufletului şi miezul lumii? Dintre formă şi sens? Cum pot comunica cele două lumi, interioară şi exterioară? Ce trebuie şi ce poate face fiinţă, cu trup şi suflet, pentru a trece dincolo de propriile ei hotare de timp şi spaţiu, pentru a se împlini în noianul de praguri ce-i tulbură drumul către sine? Şi mai ales, cum poate imaginea plastică să articuleze coerent toate aceste semne de întrebare?”
— Gavril Zmicală, Couple, 2012, Gresie albă, Glazuri, 40 x 28 x 10/20 cm.
Traduceri de Vasi Hîrdo, Andra Baban, Ileana Surducan, Andreea Breaz.
Expoziţii organizate anterior de Asociaţia Ceramics Now:
• Ceramics Now Team Exhibition, Prima ediţie / Galeria Europe, Braşov / Septembrie 1-14, 2012
– Artişti expozanţi: Andra Baban, Vasi Hîrdo, Alexandra Mureşan, Cora Pojaru, Anca Sânpetrean, Bogdan Teodorescu.
– Curator: Vasi Hîrdo
• Ceramics Now Exhibition, A 2-a ediţie / Galeria Galateea, Bucureşti / Aprilie 19 – Mai 7, 2012
– Artişti expozanţi: Arina Ailincăi (RO), Chang Hyun Bang (KR), Antonella Cimatti (IT), Patrick Colhoun (UK), Romana Cucu Mateiaş (RO), Carole Epp (CA), Simcha Even-Chen (IL), Shamai Gibsh (IL), Mark Goudy (US), Roxanne Jackson (US), Marta Jakobovits (RO), Margrieta Jeltema (IT), Maciej Kasperski (PL), Jim Kraft (US), Cynthia Lahti (US), Claire Muckian (IE), Connie Norman (US), Aniela Ovadiuc (RO), Oriana Pelladi (RO), Eugenia Pop (RO), Cristina Popescu Russu (RO), Liza Riddle (US).
– Curator: Romana Cucu Mateiaş
– Coordonator: Vasi Hîrdo
• Ceramics Now Exhibition, Prima ediţie / Fabrica de Pensule, Cluj-Napoca / Decembrie 9, 2011 – Ianuarie 6, 2012
– Artişti expozanţi: Chang Hyun Bang (KR), Antonella Cimatti (IT), Patrick Colhoun (UK), Carole Epp (CA), Simcha Even-Chen (IL), Shamai Gibsh (IL), Mark Goudy (US), Roxanne Jackson (US), Margrieta Jeltema (IT), Maciej Kasperski (PL), Jim Kraft (US), Cynthia Lahti (US), Claire Muckian (IE), Connie Norman (US), Liza Riddle (US).
– Curator: Vasi Hîrdo
▬▬▬▬▬▬▬▬▬▬▬▬▬▬▬▬
REVISTA CERAMICS NOW | MAGAZIN ONLINE
Abonează-te la Ceramics Now sau fă o donaţie pentru a ne susţine munca. Contribui la dezvoltarea unui proiect inovativ ce promovează arta ceramicii contemporane în România.
Citeşte mai multe despre noi.
CONTACT
office@ceramicsnow.org
Tel. 0748 311 663
